Crítica: Orlando, mi biografía política de Paul B. Preciado

 

El Orlando de Virginia Woolf fue en su momento un personaje con el que se identificaban las lesbianas. Estas lo utilizaban como nombre en clave para uno de los canales del IRC porque corrían el riesgo de que se les llenara de hombres que se dedicaban a acosarlas e insultarlas. El filósofo Paul B. Preciado se estrena como director de cine retomando este personaje adaptándolo a su persona. En Orlando se nos cuenta la historia de un aristócrata que pasa de ser un hombre a una mujer; este está inspirado en Vita SackVille-West. Es por lo tanto el sexo y el género lo que subyace en la novela. Al ser esta una de las líneas de investigación de Paul B. Preciado utiliza la historia de la novela para contar su historia y la de otras personas disidentes del género.

Aquí habría que recurrir a los estudios antropológicos para ver cómo a lo largo de la historia y en distintos lugares la visión que se ha tenido sobre el sexo y el género no es la misma y puede variar. Para quien esté interesado en el tema hay un artículo de Verena Stolcke que trata el tema y que se llama ¿Es el sexo para el género como la raza para la etnicidad? Más allá de la biología el género se ve como la forma en la que culturalmente se ven a los hombres y a las mujeres así como su posición y su lugar. Especialmente en la actualidad en la que vivimos en una sociedad en la que se fomenta la individualidad frente a una sociedad más cohesionada los roles de género se ven como limitantes. En algunos ámbitos hacer definiciones como qué es ser un hombre o ser una mujer resultan hasta ser subversivos. En vez de romper con esas categorías que oprimen y no dejan desarrollar las personalidades o bien las limitan lo que se ha hecho es multiplicar estas categorías. 

Ya no hay un solo Orlando, hay decenas de ellos, la película nos muestra unos cuentos y seguramente tendrían la posibilidad de mostrarnos muchos más. Los Orlandos de nuestra época son personas con diversos orígenes, diversas vivencias, diversas edades y que tienen algo en común, han desarrollado sus vidas a partir de su disidencia de género y cómo han buscando corregir esa disonancia entre lo que son y lo que se perciben que son. Esta película se mueve entre la ficción y el documental porque los actores y actrices que participan y que encarnan a Orlando también nos cuentan su vida y lo que han pasado. Desde un hombre maduro que sabía que había algo que no funcionaba en su vida hasta que es consciente de su feminidad o de adolescentes que ven que lo masculino y lo femenino son términos que encajan en su vida y quieren explorar nuevas posibilidades. Se incluye el testimonio que hizo Elsa, una niña transexual de ocho años en el parlamento de Extremadura. Se empieza cuestionando el género y se acaba también cuestionando el sexo. Esta es una cuestión que puede llevar consigo grandes transformaciones sociales pues grandes cuestiones pasan por una cuestión de sexo/género. Esta película puede servir para fomentar el debate sobre este tipo de cuestiones además de servir a los protagonistas como forma de narrar sus experiencias y hacerse visibles puede de lo que no se habla es como si no existiera. 

Llega la Reina Roja a Amazon Prime Video

Juan Gomez Jurado es uno de los escritores más leídos en nuestro país. Sus historias enganchan a una gran cantidad de lectores. Su popularidad se debe en que ha conseguido democratizar la lectura al sacar sus novedades en formato electrónico a unos precios realmente buenos. No se trata aquí de hablar ni de sus novelas ni del formato electrónico pero está bien hacer unas puntualizaciones. Un libro en papel y un libro en formato electrónico tienen el mismo contenido pero no son lo mismo. En formato electrónico tiene muchas más limitaciones y eso cambio debe ser reflejado en el precio de venta. Juan Gomez Jurado siempre ha sacado todos sus libros a unos precios que se los puede permitir cualquiera. Si te has gastado al menos 100 euros en un aparato puedes permitirte comprarte una novela por menos de 5 euros. Eso no explica su éxito, tiene que tener buenas historias, unos personajes memorables y una buena narración. Cuando una serie de novelas tiene éxito el siguiente paso es su adaptación al cine o a la televisión en formato de serie. Las novelas suelen ser historias demasiado complejas para que se puedan adaptar bien al formato de película porque necesitas condensar demasiado una historia. Para los actores también les viene bien una serie porque les permite mostrar todos los matices de un personaje. Ellos sufren una discriminación porque no se les reconoce tanto como a los que hacen cine. 

Andre Paduano

En una semana llega la primera adaptación de Reina roja, un thriller que cuenta con dos grandes personajes como son Antonia Scott y Jon Gutierrez en la que juntos tendrán que investigar una serie de crímenes. Las parejas en este tipo de historias funcionan muy bien sobre todo si hay una gran diferencia de personalidades. Tenemos ejemplos como Castle, Bones o más antiguas como Luz de luna. Reina roja rompe una de las normas que subyace en prácticamente todas estas series y es lo que se conoce como tensión sexual no resuelta. En la mayoría de estas series acaban con los dos protagonistas enamorados o incluso casándose. Al hacer a Jon homosexual eso hace que una relación entre ambos más allá de la profunda amistad sea inviable. En algún momento puede dar juego pero acaban desplazándose de la misión principal que es descubrir al malo. Aquí la tensión y la gravedad de lo que están viviendo rompe la relación que tiene Jon con su amatxo, una mujer vasca con mucho carácter. Han creado un gran personaje que aporte una naturalidad a la serie. Y no es que la serie no tenga un tono realista, que lo tiene, dentro de la historia y del universo de los personajes existe lo que denominaba verosimilitud y que es imprescindible. Hay cosas como el hecho de que se denomine a Antonia Scott como la mujer más inteligente del mundo que suenan estridentes aunque sea cierto pues se le adjudica un coeficiente intelectual de 242.. Uno no está acostumbrado a escuchar este tipo de afirmaciones. 

En busca de una satisfacción global las series suelen ocultar las ciudades en donde suceden las historias. Buscan espacios neutros que se puedan encontrar en cualquier sitio. Esta es otra de las reglas que rompe esta serie. Nos muestra un Madrid más que reconocido. Cualquiera que haya visitado la capital de España ha pasado por los mismos sitios por los que pasan los protagonistas, la Plaza de España, Gran Vía, Bravo Murillo, las Torres que hay por Chamartín… El cine y las series son una forma de presentar las ciudades. Un director como Alex de la Iglesia nos ha mostrado grandes estampas de la ciudad y ha inmortalizado lugares como Callao o el Retiro. Reconozco aquí que no he leído todavía las novelas de Reina Roja pero entiendo que la ciudad y los sitios por los que sucede la acción tienen gran importancia porque de hecho hay publicado un pequeño libro en el que se nos cuenta como una guía por donde pasa Antonia Scott. 

Estos primeros siete capítulos con la que construyen esta primera temporada nos muestra una historia que resulta realmente emocionante. Cuenta con una gran pareja protagonista y con unos buenos directores. Koldo Serra es el encargado principal y ya tiene gran experiencia en llevarnos por terrenos poco explorados. Su cine es un compendio de acción, suspense y unos giros muy locos que hacen que nos vuelen la cabeza. Ya lo demostró en series como La casa de papel o en películas como 70 Binladens. Esta primera temporada es de introducción a los personajes, al universo de Antonia Scott y promete grandes emociones en un futuro y que gustará tanto a los fans de las novelas como a los que como yo aún no hemos tenido el placer de leer los libros. Pero estoy trabajando en ello. 

Crítica: Saint Omer. El pueblo contra Laurence Coly de Alice Diop

 

Hemos visto ya muchas películas cuya trama principal sucedía en un juzgado. Ha sucedido un crimen y la trama gira en descubrir qué es lo que ha pasado y quien es el culpable pero esta película no tiene nada que ver, aquí desde el principio sabemos qué es lo que ha pasado y la acusada en ningún momento niega los hechos. A pesar de ello se declara inocente. Ella es una mujer que vive y estudia en Francia y que viene de Senegal. Es una persona culta e inteligente y aún así comete uno de los crímenes que más rechazo puede causar, ni ella misma es capaz de entender por qué lo ha hecho. Ese es lo que mueve y hace avanzar a la historia a través de los relatos que van haciendo los distintos personajes de lo que ha pasado y sobre todo cómo lo ha vivido cada uno de ellos. Hay otro personaje que es con el que más nos podemos sentir identificados como espectadores que es el de una escritora que es testigo de todo lo que está pasando. Ella tamiza lo que está sucediendo con su propia visión que nace de sus circunstancias personales. Uno puede imaginarse lo que puede sentir otra persona, al fin y al cabo de eso se trata la empatía pero es complicado salir completamente de uno mismo.

La película está narrada de una forma muy sobria en la que lo más importante es el trabajo de los actores a partir de un guión perfectamente compuesto. Las dos actrices protagonistas son jóvenes promesas con poca experiencia pero que aquí han sabido entender a los personajes a los que dan vida. Frente a una acusada que se muestra aturdida y apenas consigue entender lo que ha pasado. Aunque en un principio va a Paris a estudiar derecho lo deja para hacer lo que realmente le interesa que es la filosofía, de hecho se habla en algún momento que se define como Cartesiana y también se menciona que la tesis que estaba preparando era sobre Wittgenstein que entre otras cosas decía que los límites de nuestro mundo son los límites de nuestro lenguaje. Frente a esta aparenta frialdad está la emoción de la joven escritora que ve con tristeza todo lo que está pasando.

Es una película que resulta emocionante y lo consigue de una forma natural, sin grandes artificios, simplemente contando una historia que nos pueda hacer reflexionar. Aunque al final no consigamos sacar una respuesta lo más importante es la búsqueda y el camino que hace para encontrarlas. Una gran película que podemos disfrutar en los cines desde este viernes.

Crítica: Joyland de Saim Sadiq

El cine puede ser una ventana a otras realidades y a otras culturas. No sólo se trata de una historia sino de cómo viven los personajes, cómo se relacionan y no sólo con cuestiones trascendentales como la relaciones de pareja, la familia o la religión, sino en cosas tan triviales pero importantes sobre la comida que consumen o como utilizan el tiempo libre y el ocio. El director Saim Sadiq además de estudios en cinematografía es licenciado en antropología. Paquistán no es precisamente un país que resulte muy conocido y a través de su película nos muestra cómo es la vida a través de una historia de emancipación y de la búsqueda de la identidad a través de la libertad. La libertad a pesar de las circunstancias es uno de los temas que más presentes en la película. El protagonista encuentra en un pequeño teatro erótico la forma de desarrollarse y de encontrarse a si mismo. Forma parte del equipo de baile de una de las bailarinas que actúan en el intermedio de la obra principal. No es la protagonista del espectáculo porque sea peor que la bailarina principal sino seguramente porque es una mujer transgénero. Paquistán se nos muestra como muy pegado a las tradiciones y las nuevas formas de vida y de pensamiento que chocan van entrando de forma muy lenta. Hay algún que otro avance pero para los personajes que ansían algo más les resulta insuficiente.

Uno de los puntos positivos que tiene este tipo de películas en la que participan actores y actrices nada conocidos es que uno ve sólo al personaje. Uno se mete de lleno en la historia y no ve al actor x interpretando a un nuevo personaje dentro de su carrera. Son actores y actrices que hacen unas interpretaciones realmente intensas. La película no es exactamente un drama ni tampoco una comedia, es una historia que nos muestra de una forma honesta la vida de los personajes con sus momentos de todo tipo. Aunque se trata de una primera película el director sabe contar una historia de una forma sincera y emocionante sin caer en los tópicos. Que la protagonista, Biba (Alina Khan) sea transgénero no es especialmente destacado en la trama de la película, es una circunstancia que tiene la protagonista y que influye en cómo la perciben tanto los desconocidos en la calle o la gente con la que trabaja en el teatro pero no es algo en lo que el director especialmente. Es más relevante la relación con la que mantiene con su compañero Haider (Ali Junejo) y cómo esto afecta a su matrimonio con Mumtaz (Rasti Farooq). Esta última también busca su libertad y poder vivir según su forma de sentir.

            La película que ha tenido una gran acogida en distintos festivales de cine ha visto cómo ha sido boicoteada en su propio país. Han intentado prohibirla porque ha chocado con una visión muy conservadora a pesar de dar una visión bastante positiva del país. Finalmente ha sido levantada esa prohibición y se ha estrenado en prácticamente todo el país. De hecho, esta es la propuesta que se ha enviado desde Paquistán a la academia de Hollywood para el Oscar a la mejor película extranjera. Finalmente no ha pasado el corte y no optará por la estatuilla.

            Joyland es una película emocionante y sincera sobre unos personajes en busca de libertad en el actual Paquistán. Muy recomendable. 

Crítica: Cuñados de Toño Lopez

 La comedia nos permite desde una aparente sencillez de temas importantes y profundos como son la familia o el sentido de la vida y de la percepción de uno mismo y de su existencia. En cuñados la familia y la forma que tenemos de relacionarnos tiene un papel muy importante. Los cuñados son personas que entran de forma azarosa en nuestras vidas, son de la familia, pero no del todo y aunque no los soportemos hay que tolerarlos. Estos tres cuñados forman una piña de solidaridad entre gente que no es bien recibida del todo. Es una comedia y un humor que nace de la solidaridad y la empatía con unos personajes a los que la vida no los trata bien, son unos perdedores que buscan un poco de suerte. Todo lo que les pasa está entre lo patético y lo divertido. En estos tiempos en los que vivimos resulta reconfortarte y aliviador olvidarse de los problemas propios aunque sea durante una hora y media y ver lo que les pasa a los demás con la seguridad de que tan sólo es una historia y que no tendrá consecuencias graves para ellos.

Una de las cosas que puede presumir Galicia es de la calidad de sus actores, profesionales que están curtidos en todas las facetas de la profesión y que dentro de la comunidad gallega tienen un gran reconocimiento. Fuera de Galicia no son todos tan conocidos, aunque algunos han conseguido pasar las fronteras y llegar a ser grandes profesionales como Luis Tosar o María Pujalte. Xosé A. Touriñan, Miguel de Lira y Federico Perez Rey son los tres protagonistas. Esta es la primera vez que están los tres juntos en una historia y demuestran la buena química que hay entre ellos porque de alguna forma fueron ellos los que provocaron que esta película se hiciera realidad. Pero no están solos en esta aventura, detrás de ellos están unos personajes femeninos que aportan un poco de cordura a la historia como son la madre, Mela Casal o María Vazquez, Eva Fernandez o Iolanda Muíños.

Portocabo es una productora gallega que ha dado grandes éxitos en la ficción gallega con grandes series para la TVG como son Auga Seca (que se puede ver también en HBO y que próximamente estrenará una nueva temporada) o el thriller Hierro que dirige Jorge Coira y que es una de las producciones más vistas de Movistar +. Esta es su primera aventura en la gran pantalla y con estos protagonistas eran difícil imaginarse algo que no sea una comedia. Ellos han trabajando en las grandes series más divertidas de la TVG y han aportado también su toque de buen humor a programas como todos los años que estuvo Touriñan junto a Marcos Pereiro con los personajes de Mucha y Nucha en Luar. Touriñan coincidió con Federico Perez Rey en Era Visto y en Padre Casares y Miguel de Lira siempre está en la memoria como el furtivo Evaristo Currás de Mareas Vivas. Es uno de los fundadores del grupo de teatro Chevere y que recientemente ha llevado al cine uno de sus últimos éxitos Eroski paraíso,  una historia con una gran carga emocional sobre el recuerdo y el pasado que puede verse en Filmin.

Cuñados además es uno de los primeros trabajos de la empresa de efectos especiales Cormoran VFX que dirige Pablo Lamosa después de haber pasado por El Ranchito en donde ha tenido ocasión de trabajar en series como Juego de Tronos o Veneno. Toda esa experiencia le ha llevado a volver a casa y desde aquí empezar esta aventura. También podemos ver su trabajo en la serie Tres Caminos que está disponible en la plataforma de Amazon .

Cuñados es una historia muy divertida con profundas raíces gallegas y que está a ser una de las comedias de la temporada.

Crítica: Un efecto óptico de Juan Cavestany

 

Las películas de Juan Cavestany no tienen nada de convencionales, su cine tiene un punto de provocador y de experimental que provoca reacciones de todo tipo. Hay espectadores que este tipo de cine menos convencional lo rechaza, pero hay otros entre los que me incluyo que estamos abiertos a nuevas narrativas y formas de contar una historia. Es un director que se mueve con pequeños presupuestos y eso le ha dado una gran libertad creativa. El punto de partida es que un matrimonio de Burgos se va de viaje a Nueva York con vuelo + hotel todo incluido. A partir de esta mínima trama, Cavestany realiza una compleja historia en la que el propio cine tiene una gran importancia. Sin entrar en muchos detalles en la historia y sobre todo como la cuenta a la hora de enfrentarnos a esta película veo que hay al menos tres maneras de disfrutar de ella y que de alguna manera están representadas por los tres personajes protagonistas como son el matrimonio de burgos y la hija de estos. Podemos ser como el personaje de Carmen Machi que simplemente ve lo que sucede pero que no entienda nada de lo que está pasando, simplemente disfruta del viaje y de lo que está pasando. En cambio, el personaje de Pepón Nieto empieza a comprender la situación del viaje y que no todo lo que sucede tiene un sentido pero intenta comprender la situación y por último estaría la hija que tiene una visión completa de lo que sucede. Ella además de comprenderlo es capaz de explicarlo, aunque nos suene todo muy raro.

 

El mundo del cine y especialmente el lenguaje cinematográfico tienen mucha importancia dentro de la historia por eso la elección de una ciudad como la de Nueva York es muy acertada, más allá de la ciudad real que está en Estados Unidos existe otra que es la que nos ha ofrecido el cine. Seguramente sea uno de los lugares en los que transcurren la mayoría de las películas que hemos visto y aunque nunca hayamos visitado ni hayamos recorrido sus calles no nos resultan ajenas, conocemos los nombres de algunos de sus barrios, conocemos muchos de lugares en donde hemos vivido grandes historias. Hemos estado tantas veces allí que cuando finalmente viajamos al sitio real como hacen los personajes de la película sus calles nos acaban resultando familiares, como si siempre hubiéramos estado allí. Un efecto óptico es una historia para los amantes del cine que quieran buscar algo distinto. Gracias a la plataforma Filmin la película ha llegado este viernes a los cines.

Crítica: Una pastelería en Notting Hill de Eliza Schroeder

 

Uno de los barrios con más mezcla de culturas que nos podemos encontrar en Londres en el de Notting Hill, muy famoso desde que fuera el escenario de la aventura amorosa entre Julia Roberts y Hugh Grant. Pero es mucho más, allí está la calle Portobello que tiene uno de los mercados de segunda mano más conocidos y que aparecía en una de las escenas más conocidas de la película La bruja novata. Es por lo tanto un lugar que el cine ha mostrado en numerosas ocasiones, ahora nos cuenta la historia de tres mujeres que luchan por un sueño, montar un pequeño negocio de hostelería en memoria de Sarah. Sarah es madre, hija y amiga y la gran protagonista de la historia aunque también sea la gran ausente. La muerte de Sarah es el detonante de la historia y lo que mueve a los personajes a juntarse. Es una historia que se mueve en el terreno de los sentimientos , una comedia que busca que nos sintamos bien con la forma que tienen los personajes de superar la tragedia y el dolor. Esta película no afronta la pérdida como un inicio de algo nuevo y una forma de honrar la memoria de aquellos que no están.

El escenario, una pastelería, invita a reunirse y la comida siempre es una buena excusa para juntar a las personas. El tono es vitalista y esperanzador y nos muestra que a pesar de las tragedias diarias podemos superarlas con la ayuda de los seres queridos. La historia es sencilla pero guarda un mensaje muy potente y muy necesario en un momento como el que estamos viviendo en el que necesitamos de mensajes positivos para superar esta situación tan loca en la que nos ha tocado vivir. Los personajes son potentes y muy bien encarnados por unas grandes actrices. Esta película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder.